Полная версия

Главная arrow Информатика arrow Графический дизайн: стилевая эволюция

  • Увеличить шрифт
  • Уменьшить шрифт


<<   СОДЕРЖАНИЕ   >>

Поп-арт и язык графического дизайна второй половины 1950-х — первой половины 1970-х гг.

5.1. Зарождение поп-арта в Великобритании. Американский поп-арт. Французский поп-арт. / 5.2. Дизайн титров к художественным фильмам как новый жанр графического дизайна / 5.3. Советский плакат 1960—1970-х гг.

Зарождение поп-арта в Великобритании.

Американский поп-арт. Французский поп-арт

Поп-арт возник в середине 1950-х гг. в Великобритании и отразил реакцию художественных кругов на новую визуальную среду формирующегося общества потребления, складывающуюся под влиянием средств массовой информации, продвигавших ценности массовой культуры с помощью рекламы. Первые же произведения поп-арта вызвали восторг у широкой публики, который больше не утихал, а их стилистика и сегодня во многом определяет образнокомпозиционные решения современной рекламы.

В 1952 г. при Институте современного искусства в Лондоне несколько критиков, художников и архитекторов образовали «Независимую группу», изучавшую современные медиатехнологии и городскую народную культуру. Один из членов группы, критик Л. Аллоуэй, для обозначения нового явления в художественном творчестве предложил использовать термин «поп-арт» — сокращение от словосочетания «популярное искусство» (popular art).

Художники Р. Гамильтон и Э. Паолоцци начали заниматься изучением образов массового искусства на основе применения современных методов исследования, в том числе игровой концепции культуры и семиотического подхода. В результате Р. Гамильтон и Э. Паолоцци стали создавать коллажи из наиболее популярных тем массовой печати и рекламы, в которых прочитывались одновременно восхищение и ирония.

Обаяние поп-арта состояло в том, что он поэтизировал повседневность современного общества, заставил увидеть в изделиях массового производства красоту, для которой не существовало различий между высокой и массовой культурой. В противовес серьезности и социального долженствования интернационального стиля поп-арт беспечно делал ставку на разнообразие, веселье, бунтарство, недолговечные, одноразовые вещи и массовое потребление. Дизайнеры занялись производством вещей, которых потребители жаждали, и вызывали новые желания.

Поп-арт стал использовать приемы упрощения изображения и стилизации, оперировать с коммерческими символами, кадрировать композиции, играть с масштабами и материалами, прибегать к трюковым элементам. Любимым приемом стала имитация тиражирования объектов массовой культуры — от промышленных товаров и продуктов до звезд кино и политики.

Однако поп-арт при общей схожести стилистических приемов, тем не менее, транслирует особенности художественной культуры тех стран, где он получил развитие. Если британский поп-арт замешан на изрядной доле иронии по отношению к ценностям общества потребления, то призвание американского поп-арта — это прежде всего поэтизация повседневной жизни рядового американского потребителя. Французский поп-арт отличается изяществом, элегантностью и одновременно юмором, что сделало его одним из самых привлекательных европейских художественных стилей.

Ричард Гамильтон (1922—2011) дал толчок развитию британского поп-арта. В 1956 г. в лондонской галерее «Уайтчепл» состоялась выставка This is Tomorrow. Рекламным плакатом выставки стал коллаж Гамильтона «Что, собственно, делает наши дома такими неповторимыми, такими привлекательными?». Это произведение стало программным произведением британского поп-арта: модель реального мира в нем выстраивается в технике коллажа, позволяющей автору дистанцироваться от созданного образа. В коллаже представлена молодая семейная пара в интерьере, воплощающем все достижения современного комфорта, которая, тем не менее, вызывает смех, поскольку внешний достаток не компенсирует отсутствие индивидуальности и интеллектуального развития. Авторитет мужчины с атлетически развитой фигурой сводится на нет привычно лежащей в его руке гигантской карамелью на палочке, а фигура его жены в кокетливой позе визуально сопоставлена в изображении с огромной банкой ветчины на журналь-

Гамильтон Р. «А что же все-таки делает современные дома такими неповторимым, такими привлекательными». 1956 [103]

Рис. 5.1. Гамильтон Р. «А что же все-таки делает современные дома такими неповторимым, такими привлекательными». 1956 [103]

ном столике у ее ног. Становится понятно, что не хозяева дома делают его «таким неповторимым, таким привлекательным».

В 1963 г. Гамильтон начал работать над серией «Трафаретная печать», которая дала ему возможность объединять в изображении многочисленные элементы рекламы, дизайна и фотографии. Так, работа «Свингующий Лондон» (Swinning London) (1968) из этой серии включает в себя газетные фото, запечатлевшие сцену ареста М. Джаггера и торговца картинами Р. Фрейзера по обвинению в злоупотреблении наркотиками. Растрировании^ фото Гамильтон увеличивал до такого масштаба, что их детали оказывались размытыми почти до неузнаваемости. Это впечатление Гамильтон усиливал за счет ретуширования.

В появившихся в 1969 г. «Косметических этюдах» Гамильтон схватил движения своей модели и действия фотографа, изобразив также попавшие в кадр аксессуары. Во многие свои работы он включал рекламные фразы и объявления либо применял их в качестве фраз-представлений. Он показывал мир, в котором внеш-

ний блеск играет настолько важную роль, что люди поневоле упускают из виду конкретную человеческую жизнь в ее обычных проявлениях.

Яркими представителями британского поп-арта наряду с Р. Гамильтоном были Эдуард Паолоцци, Питер Блейк, Ричард Смит, Патрик Колфилд, Питер Филлипс, Аллен Джонс и Джеральд Лэнг.

С конца 1950-х гг. поп-арт получает широкое распространение в американском искусстве. Искусство поп-арта в США тесно переплеталось с искусством рекламы, ставшей неотъемлемой частью американского образа жизни. Реклама навязчиво пропагандировала потребителям не только товарные марки, но и сам образ жизни.

Иногда конкретные жанры массовой культуры, например комиксы, могли стать основой для формирования индивидуальной творческой манеры художника, в частности Роя Лихтенштейна, который создавал масштабные акриловые композиции, воспроизводящие стилистику фрагмента комикса с использованием пузырей с текстом героев и растровых точек, проступающих при газетной печати.

Международную известность поп-арту в его американском варианте принесли такие художники, как Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн, Джаспер Джонс, Джеймс Розенквист, Том Вассель-ман, Клаас Ольденбург, Энди Уорхол.

Уорхол и другие американские художники поэтизировали не только красоту банальных вещей, но и сумели разглядеть их магический потенциал, поскольку, по их мысли, потребление определенного продукта позволяет идентифицировать себя с любым другим потребителем этого продукта. «Ты можешь смотреть телевизор и видеть кока-колу, и ты знаешь, что президент пьет кока-колу, Лиз Тейлор пьет кока-колу, ты тоже можешь пить кока-колу... Все бутылки кока-колы одинаковы и все они хороши», — говорил Э. Уорхол[1].

Если бутылка кока-колы — это символ демократии, то М. Монро — символ сексуальности и красоты, а ее растиражированные изображения свидетельствуют о том, что это такой же товар, как и все остальные.

Стилистика поп-арта оказала большое влияние на творчество американского дизайнера Милтона Глейзера (р. 1929). Его язык отличается использованием ярких изобразительных средств, простотой и одновременно броскими и изящными образами. Сам Глейзер считает, что стилистическая парадигма изменяется каждые 10 лет, поэтому «глупо отдавать себя какому-то одному стилю, потому что ни один из них не заслуживает вас целиком»[2].

Хотя Глейзер использует любые стилистические приемы при создании своих работ — от примитивизма до авангарда, но часто отдает предпочтение стилистике поп-арта, о чем свидетельствуют многочисленные суперобложки, рекламные плакаты, обложки для дисков и журнальные иллюстрации. М. Глейзер создал огромное количество рекламных плакатов, в том числе знаменитый плакат Боба Дилана для компании CBS Records (1966), навеянный влиянием исламского искусства и силуэтами М. Дюшана.

Глейзер М. Рекламный плакат «Боб Дилан». 1967 [104]

Рис. 5.2. Глейзер М. Рекламный плакат «Боб Дилан». 1967 [104]

Рис. 5.3. Глейзер М. Реклама печатной машинки Valentine. 1968 [105]

В решении плаката компании Olivetti, созданного для рекламы печатной машинки Valentine, спроектированной Э. Сотсассом

(1968), Глейзер рассказывает целую историю уснувшей девушки и грустной собаки, охраняющей ее сон. На плакате мы видим ноги девушки в сандалиях и сдвинутую к краю обрыва красную печатную машинку. Этот сюжет должен проиллюстрировать основное достоинство нового продукта — легкость и возможность как приносить ее в студенческие аудитории, так и брать с собой на природу. Реалистическое и близкое по духу к ренессансному изображение сочетается с написанием названий компании и продукта, имитирующим технику трафарета.

В 1975 г. Глейзер создал для Комиссии по коммерции Нью-Йорка один из самых знаменитых американских логотипов «Я люблю Нью-Йорк» в рамках кампании по улучшению имиджа города, от посещения которого туристов отпугивал высокий уровень преступности. В решении этого логотипа уже проявилась формирующаяся в рамках постмодернистской эстетики тенденция к созданию знаковой коммуникации. После трагедии 11 сентября 2001 г. Глейзер, добавив на знаке сердца темное пятно, изменил слоган «Я люблю Нью-Йорк больше, чем когда-либо».

Протоконцепцией художественно-эстетических особенностей французского поп-арта можно считать яркую ментально-культурную доминанту французского отношения к жизни, имеющую устойчивое обозначение в языке как «искусство жить» (savoir-vivre). Именно savoir-vivre составляет суть французского понимания жизни и определяет не только стиль повседневного поведения носителей французского менталитета, но и особенности художественноэстетической системы французского искусства, дизайна и других форм творческой деятельности.

Словарь Вебстера определяет понятие «savoir-vivre» как «способность жить жизнь хорошо и с интеллектуальными наслаждениями, встречая каждую жизненную ситуацию с уравновешенностью, хорошими манерами и элегантностью»[3].

Ярким воплощением savoir-vivre является рекламная графика Рене Грюо (настоящее имя Ренато де Дзавальи Риччарделли Ка-минате, Грюо — фамилия матери) (1909—2004) — французского дизайнера итальянского происхождения, художника-иллюстра-тора моды, работы которого оказали большое влияние на индустрию моды 1940—1950-х гг. и по сей день являются источником вдохновения и эталоном стиля в дизайне и рекламе одежды и пар-фюма.

Сотрудничество Грюо с модными журналами и их совместные проекты изменили концепцию послевоенной индустрии моды и способствовали повышению роли рекламы в этой отрасли. После пережитых ужасов Второй мировой войны люди в послевоенной Европе хотели красиво одеваться и наслаждаться жизнью, а талант и человечность художника позволяли ему придавать рекламируемым товарам облик овеществленной мечты. Именно поэтический дар делает произведения Грюо такими востребованными. С 1947 г. его постоянными заказчиками были такие популярные издания, как L’Officiel, Vogue, du Figaro, Marie Claire. Наиболее плодотворное сотрудничество сложилось у Р. Грюо с К. Диором.

Грюо Р. Рекламный плакат Diorama. 1955 [106]

Рис. 5.4. Грюо Р. Рекламный плакат Diorama. 1955 [106]

Грюо Р. Рекламный плакат Miss Dior. 1983 [107]

Рис. 5.5. Грюо Р. Рекламный плакат Miss Dior. 1983 [107]

В рекламном плакате духов «Диорама», выполненном в три цвета, мы видим только стул в стиле Людовика XVI с парой перчаток и черным шарфом из тюля и названием марки духов от Кристиана Диора. В этом простом изображении Р. Грюо удалось не только передать атмосферу красоты и неброской аристократичной роскоши, но и заставить зрителя мгновенно представить себе хозяйку этих вещей и почувствовать аромат ее духов.

Стиль дизайна Грюо — строгость, простота, совершенство композиции, образное решение, гибкость и точность линии, прекрасный рисунок. Многие критики называли его наследником А. де Тулуз-Лотрека. Р. Грюо обладал редким даром создавать цельные, законченные образы из нескольких штрихов, используя при этом не более двух-трех оттенков. У него была раз и навсегда избранная палитра цветов — белый, красный, черный, золотистожелтый, иногда зеленый.

Mus?e et Jardin Christian Dior

Granville • Normandie - France

LA MODE EN VOYAGE

Exposition du 12 ms» su 30 octobre IW

Грюо Р. Афиша выставки «Мода Рис. 5.7. Грюо Р. Рекламный плакат

Рис. 5.6. Грюо Р. Афиша выставки «Мода Рис. 5.7. Грюо Р. Рекламный плакат

и путешествия» в музее Кристиана Диора. авиакомпании Air France.

1990 [108] 1955 [109]

В своих эскизах художник умел передать шик и очарование моды, незавершенность и загадочность образов. При этом его роскошная минималистическая графика дышит тонким юмором и легкостью. Именно в этом состоит отличие французского поп-арта от британского и американского — в умении сочетать аристократическую красоту, легкость бытия и пронизанное легкой иронией отношение ко всему на свете, в первую очередь к той же моде.

Сформировавшаяся в культуре Франции концепция «искусства жить» облагородила ценности общества массового потребления, в результате чего образный ряд французского поп-арта отличается элегантностью и изяществом, наработанных веками культурной истории Франции, в отличие от приземленное™ американского поп-арта.

Р. Грюо, сын итальянского аристократа и французской графини, в жизни был очень трудолюбивым и целеустремленным человеком. Во время оккупации Франции в годы Второй мировой войны Р. Грюо принимал активное участие в Сопротивлении, спасая от нацистов еврейские семьи. Прожив почти 100 лет, он остался чрезвычайно скромным, доброжелательным и щедрым человеком.

Вильмо Б. Рекламный плакат Рис. 5.9. Вильмо Б. Рекламный плакат Orangina. 1970 [110] обувной марки Bally. 1982 [111]

Рис. 5.8. Вильмо Б. Рекламный плакат Рис. 5.9. Вильмо Б. Рекламный плакат Orangina. 1970 [110] обувной марки Bally. 1982 [111]

В творчестве еще одного французского дизайнера, работавшего в стилистике поп-арта, Бернара Вильмо (1911 — 1989), прослеживается влияние на него А. Матисса и представителей французского ар деко — П. Колена, Л. Капьелло, А. Кассандра. Он любил работать с чистыми линиями, абстрактными композициями и большими заливками цвета. Созданный им в рекламных плакатах образ женщины отличается элегантностью и чувственностью.

В 1947 г. он начал делать первые коммерческие плакаты. Его самая большая работа — это сотрудничество на протяжении 22 лет (1967—1989) со швейцарской обувной маркой Bally, для которой он создал множество эффектных образов в подчеркнуто минима-диетической манере. Его работы часто имитируют технику трафарета, позволяя художнику отказаться от лишних деталей и сосредоточиться на изящности женских рук, ног, головок.

Другой его долгосрочный клиент — производитель газированной воды Orangina, с которым он работал на протяжении 30 лет с 1953 г. В его ярких, оранжево-голубых, веселых и беззаботных композициях для Огаста часто появляется спираль из апельсиновой кожуры, которая то заменяет изображение лица под шляпой, то служит деталью бикини, неизменно вызывая улыбку зрителя.

Графический дизайн поп-арта оказал большое влияние на сам образ жизни потребителей целой эпохи. Лучшие его образцы восполнили традицию гуманистического содержания искусства и уравновесили стремление интернационального стиля к тотальному упорядочиванию визуальной среды современного города.

  • [1] Цит. по: Поп-арт: [Электронный ресурс] / Энциклопедия Круговет. Режим доступа: http: //www.krugosvet.ru/enc/kultura_i_obrazovanic/izobrazitelnoc_iskusstvo/POP-ART.html.
  • [2] Цит. по: Правила творчества от Милтона Глейзера: [Электронный ресурс] / adme.ru. Режим доступа: http://www.adme.ru/tvorchcstvo-reklama/ pravila-tvorchestva-ot-miltona-glejzera-380505.
  • [3] Savoir-vivre [Электронный ресурс] / Webster’s New World College Dictionary. Pc-жим доступа: http://www.yourdictionary.com/savoir-vivre.
 
<<   СОДЕРЖАНИЕ   >>